III TERTULIA PARTICIPATIVA: Resumen

III TERTULIA PARTICIPATIVA
ARTE Y ARTISTAS EN EL SIGLO XXI

III Tertulia participativa - Indice de temas tratados

1º ¿Hay compañerismo entre los artistas?.

2º Lo que llaman pintura digital ¿se puede considerar pintura?.

3º El problema del realismo al ser visto como una ampliación de la fotografía.

4º Arte y redes sociales.

1º ¿Hay compañerismo entre los artistas?.

DEFINICIÓN DE COMPAÑERISMO

Compañerismo es el vínculo que existe entre compañeros. Los compañeros, por su parte, son las personas que se acompañan para algún fin, formando algún tipo de comunidad, cuerpo o equipo.

La noción de compañerismo suele utilizarse para nombrar a la buena correspondencia y la armonía entre los compañeros. Esto quiere decir que, en este sentido, no todas las relaciones entre compañeros reflejan compañerismo, sino que algunas sólo surgen por la proximidad física o por el hecho de compartir ciertas tareas de manera forzada.

Si un curso está formado por 25 alumnos, puede decirse que todos ellos son compañeros. Sin embargo, el compañerismo estará dado por actitudes solidarias entre ellos, como cuando un niño le presta sus útiles escolares a otro o cuando alguien comparte su almuerzo con otra persona, y estas situaciones y acciones deben surgir de manera espontánea.

En una empresa, una organización o un conjunto deportivo, el compañerismo es la base para un trabajo de equipo exitoso. La cohesión entre los integrantes ayuda a que se exploten las capacidades individuales y a que el resultado de la acción del grupo sea mejor. Los equipos cuyos miembros comparten valores, normas de conducta y metas son aquellos que tienen más probabilidades de triunfar. El compañerismo, además, hace más amena la vida cotidiana ya que ayuda a construir climas de camaradería.

Dos objetivos fundamentales para que se establezcan los lazos propios del compañerismo en un ambiente laboral son el bienestar y la defensa de los demás, y algunos de los puntos básicos para conseguirlos con éxito son los siguientes:

* entablar relaciones con la mayor cantidad de compañeros posible, preferentemente con todos, para intentar conocerlos bien y saber cuáles son sus fortalezas y debilidades, sus necesidades y los valores que pueden aportar al resto del equipo;

* tener la mente abierta, ya que en los grupos grandes es muy común que coexistan personas de diferentes razas, culturas, orientaciones sexuales y religiones, entre otros rasgos característicos, y el desprecio o la falta de aceptación solamente pueden conducir al fracaso;

* recibir amablemente a los nuevos integrantes, evitando cualquier tipo de broma pesada y enseñándoles todo lo posible para hacer que su paso por la empresa sea una experiencia agradable y enriquecedora, tanto para él como para los demás;

* criticar de forma constructiva, pensando en cómo ayudar a mejorar a los demás, siempre teniendo consideración del esfuerzo ajeno antes de señalar sus errores, buscando palabras que no hieran, sino que sugieran posibles cambios;

* aceptar las críticas ajenas, ya que, siempre que sean constructivas, nos ayudarán a crecer y convertirnos en mejores profesionales.

El compañerismo marca la diferencia entre la productividad y la producción; un grupo de personas que aprenden a tratarse con un respeto mutuo y con una visión constructiva tiene muchas posibilidades de alcanzar más de lo que se proponen, ya que la riqueza de una actividad hecha con motivación es incalculable. Por otro lado, cuando la unión es forzada y no existe un buen ambiente de trabajo, el día a día se vuelve monótono y el esfuerzo pierde sentido poco a poco, lo cual afecta seriamente la solidez del equipo.

Es importante subrayar que en la base del compañerismo también se encuentra buscar el propio bienestar en el grupo; en ningún caso se debe permitir que las necesidades de los demás opaquen las propias, sino que el mejor camino es aquél que propicia que todos crezcan en la mayor medida posible a cada paso.

Después de la exposición sobre la definición que se suele otorgar a la palabra compañerismo. Pasamos a lo relativo a nuestra tertulia. Como en la misma solo pueden participar doce personas se solicitó que otras personas nos trasladaran sus pensamientos al respecto.

Este llamamiento se hizo a través de la red social Facebook, enviando un buen número de emails a los actores concernidos, es decir, a los artistas. Pero tan solo se he recibido una sola opinión, o lo que es lo mismo aquí se empieza a demostrar la colaboración, el interés y el compañerismo. A continuación y sin citar al autor/a copiamos lo que esta persona nos trasladó.

Pienso y lamentable compruebo, que hay una mayoría de artistas en los que el compañerismo no existe o es escaso. Afortunadamente no se trata de algo absoluto y hay artistas que comparten tanto su experiencia como artistas pasando información para participar en distintos eventos o concursos.

Analizando la cuestión, pienso que hay dos factores que influyen decisivamente en el tema:

De una parte la sociedad competitiva en la que nos sumergimos que hace que quien no está informado sea inferior y por tanto, un competidor eliminado de la "lista" de artistas .

Por otra parte, y tal vez sea aún peor, es el artista con menos profesionalidad (no hablo de reconocimiento) el que suele no informar o no facilitar a otros compañeros de un mismo camino de puntos de vista, posibilidad de exposiciones, participación en concursos, hablar sobre su técnica y en fin, hacer que el bello pero duro recorrido del artista se halle en ocasiones con algún que otro tropiezo debido a las zonas de escasa luz que en muchas ocasiones no arrojamos.

En conclusión, el artista que se precia de serlo y, que desde mi punto de vista lo es, se correspondería más con el verdadero compañero y con ese ser "elevado y diferente" que envuelve a un ser creativo.

Salvo uno, todos los demás tertulianos coincidimos plenamente con esta opinión.

La opinión divergente, tal y como concluimos, es porque esta persona se mueve en un círculo muy reducido de artistas y ha tenido suerte con ellos.

El resto de las opiniones las resumimos en lo siguiente:

       

-      El egoísmo está al cabo de la calle.

-      Dentro de este mundillo hay mucho divismo y demasiado egocentrismo.

-      Abunda mucho aprovechado, que se sube al carro del que se lo trabaja con el fin de obtener todo el beneficio posible a costa del esfuerzo ajeno. Y cuando ya ven que no pueden sangrar mas en su beneficio se bajan del carro, y en ocasiones de muy malas maneras.

-      No hay ningún tipo de unión entre los artistas. Eso si, quejarnos nos quejamos amargamente de lo mal que nos va. No se comparte ni lo bueno ni lo malo. Lo primero porque así nadie te quita el tesoro encontrado y lo segundo porque no nos gusta quedar en ridículo al haber metido la pata en alguna decisión tomada, sin darnos cuenta que puede ser que otros vuelvan a caer en la misma trampa.

-      Es complicado que en este mundillo del arte se apoyen iniciativas o proyectos que pueden beneficiar a una gran mayoría. Y no solo eso, hay quien además se dedica a torpedearlos y no paran en su intento hasta conseguirlo.

-      Hay quien no tiene ningún pudor para levantar falsos testimonios para tratar de hundir la carrera de otro artista. Además utilizan la cobardía de tirar la piedra y esconder la mano.

-      Hay muchos que aparecen en los buenos momentos y desaparecen en los malos.

-      Los que te critican por la espalda pero no tienen el valor de decirte lo que piensan de ti directamente

-      Quien se beneficia de lo que comparten otros, pero ellos de lo suyo no comparten nada.

-      Y la corte de aduladores. Te ofrecen una "falsa alabanza" como una manera de conseguir que confíes en ellos, compartir con ellos información privilegiad. Luego, cuando han tenido éxito en sus esfuerzos engañosos y ya no les resultas útiles, proceden (agresiva o pasivamente) a intentar desprestigiarte.

Que compañeros y amigos haberlo ahílos pero por desgracia son los menos y son muy difíciles de encontrar.

Y de ahí el dicho: tenemos lo que nos merecemos.

2º Lo que llaman pintura digital ¿se puede considerar pintura?.

Definición que se encuentra en Wikipedia

La pintura digitales la técnica empleada para crear un objeto artístico de manera digital mediante el uso softwares gráficos. Esta técnica adapta los medios tradicionales para crear una pintura (como lo son la pintura acrílica, la pintura de aceite, la tinta, la acuarela, etc.) que normalmente se aplican sobre soportes tradicionales (como lienzos de madera, tela, papel, poliéster, etc.) a un medio digital con la ayuda de softwares que se corren a partir de procesadores industriales o máquinas de oficina. Entonces, la pintura digital se define como la utilización de la computación gráfica para generar pinturas virtuales con la ayuda de herramientas digitales como pinceles o gamas de colores. La ventaja que existe en el campo virtual es que se puede disponer de muchos instrumentos y/o herramientas que no existen de forma real fuera de la computadora, dándole de esta manera a las obras digitales un aspecto y comportamiento distinto al de las mismas pero hechas de manera tradicional.

Características visuales

Las características visuales específicas de una pintura digital pueden remontarse al software con el que se hayan generado. Ejemplos de algunas características son la transparencia, la simetría, la distorsión, la repetición, la textura, el grofado (creación de ilusiones de tercera dimensión), la aparición de círculos matemáticamente perfectos, o bien, de elipses, cuadrados y otras formas, así como la presencia de una superficie plana, hasta ahora, debido a la imposibilidad técnica de obtener la configuración tridimensional que los brochazos le dan a una pintura original. En la pintura digital, la opción de deshacer trazos, sin dejar rastros de hasta veinte o más trazos, así como otras acciones, permiten una manera más espontánea e intuitiva de trabajar, que es imposible en la pintura tradicional. El software, o bien, la función específica dentro del software elegido para generar la obra, determina el resultado y acabado final de la misma ya que por ejemplo se puede tener acuarela, corte en lino, impresión de pantalla, pintura de aceite, etc. Así, la pintura digital no es tanto un medio, si no una nueva apariencia de todo el rango de medios existentes complementados con nuevas funciones.

Mercado para el arte digital

 

El mercado del arte digital se encuentra actualmente obstaculizado por el hecho de que lo original es usualmente indistinguible de una copia. Como resultado, junto con el camino actual de desarrollo, la venta de pinturas digitales originales es gradualmente suplantada por la venta de impresiones, y el mercado digital se mueve en dirección al mercado de libros impresos, donde el manuscrito original es principalmente una herramienta para maximizar la venta de copias exactas. Las impresiones diseñadas a mano por el artista y la certificación podrían traer un cambio de dirección, si es que esto se dirige a un mercado maduro para el arte digital, lo cual, es difícil de predecir.

Comparación con la pintura tradicional

Aparte de la separación del portador con el obra, la principal diferencia entre la pintura digital y tradicional es el proceso no lineal en el que se desarrolla, ya que el artista a menudo puede acomodar su pintura en capas que pueden ser editadas independientemente. También, la habilidad de deshacer y rehacer pinceladas o trazos crea intervalos no lineales en el proceso creativo. La pintura digital también se diferencia en la manera en la que emplea las técnicas debido a la diferencia de superficies y la amplia variedad de herramientas virtuales.

El artista digital tiene a su disposición varias herramientas que no están disponibles para un pintor tradicional. Algunas de ellas son: una paleta virtual que consiste de millones de colores (aunque estos colores están limitados por las capacidades de la pantalla y la tecnología de impresión, mientras que la forma tradicional lidia con pigmentos tangibles), casi cualquier tamaño de lienzo, y la habilidad de retractarse y corregir errores, al igual que gomas, lápices, lacas, pinceles, peines y una variedad de herramientas con efectos 2D y 3D.

Una tableta gráfica y una 'Stylus' le permiten al artista trabajar con movimientos de mano precisos simulando una herramienta de dibujo y un área de dibujo real, mientras que otros programas (como Adobe Eazel) están desarrollados para pintar con los dedos directamente en la pantalla. Ambas tabletas y pantallas touch son sensibles a la presión (tacto), permitiéndole al artista variar la intensidad del medio elegido en pantalla. Existen tabletas con más de dos mil diferentes niveles de presión a los que son sensibles.

Leída esta definición dio comienzo el debate donde uno de los tertulianos defendía que este tipo de arte se definiera como pintura, pues según su teoría el autor debe saber manejar un puntero digital y debe conocer a la perfección estos programas informáticos. Indica que estas pinturas se utilizan para comic, para video juegos, para películas, etc.

Sin embargo el resto de los tertulianos coincidieron en que se debería llamar arte digital, pero no pintura digital. Arte porque es algo creativo, aunque en muchas ocasiones utilizan una fotografía que van transformando con esos programas informáticos.

Es como si al creativo de una empresa se le denominara pintor, por el mero hecho de crear unas imágenes o logotipos para la promoción comercial de su empresa.

Por el mero hecho de que alguien sepa utilizar un programa de tratamiento de textos como el WORD, no se le puede catalogar como escritor.

El que hace una fotografía y luego la retoca para darle otro aspecto se le define como fotógrafo no como pintor. De hecho una gran parte de los fotógrafos profesionales utilizan diversos programas de retoques fotográficos. Y esas fotografías se exponen impresas.

Sin embargo si se le puede definir como pintor al grafitero que crea imágenes en cualquier soporte.

Alguien que haya hecho una obra con un programa informático y después a través de un ploter lo haya traslado a un lienzo, no puede competir en ningún concurso, pues su ventaja respecto a los pintores que utilizan lápiz y pincel es máxima. Es como decir que alguien compite dopado contra otros que no lo están.

El artista digital tiene a su disposición miles de colores, de pinceles, puede elegir en el programa informático el acabado en óleo, en acuarela, en pastel o en lo que quiera. Puede agregar la textura y tipo de pinceladas que desee. Puede crear figuras, círculos, etc. perfectos, cosa que el pintor con su pincel depende de su buen hacer, de su pulso, etc.

Por lo tanto la conclusión mayoritaria es que se debe cambiar la palabra pintura por la de arte, es decir definirlo como arte digital, ya que en definitiva es arte lo que se está haciendo.

  

3º El problema del realismo al ser visto como una ampliación de la fotografía.

Hay indicios de pintores, ya en el Renacimiento, que utilizaban la técnica de la cámara oscura para hacer sus dibujos previos. El problema, era llevar esto directamente al papel, de forma impresa, no dibujada. Es en ese momento cuando nace la fotografía. Cuando se emplean técnicas para plasmar, de forma química, las imágenes proyectadas en una placa de cristal, negativo o los sensores digitales que tienen las cámaras de hoy en día.

Las primeras utilizaciones de la fotografía, eran para fines pictóricos. De hecho, los fotógrafos eran personas con grandes capacidades artísticas, aptitudes para el dibujo y la pintura. Pues muchas fotos, tenían que ser retocadas. Y no hablamos ya de ésas en blanco y negro a las que les coloreaban las mejillas, los labios y pintaban de verde el maquillaje de los ojos de las mujeres retratadas; las mismas imágenes en blanco y negro, muchas veces necesitaban retoques, que eran dados por el mismo fotógrafo con su mano, utilizando pinceles, tintas o cuchillas para raspar el papel.

Es cuando comienza la fotografía, que la pintura da un vuelco, y sufre una gran evolución. Es el momento del impresionismo. Las fotos aún son en blanco y negro.

Es, tras el nacimiento de la fotografía, cuando los pintores son capaces de ver con otros ojos. Se va acercando el realismo.

Los pintores romanos, griegos, de la edad media, todos sabían de sobra pintar. Y tenían capacidades mucho más que probadas de dominio de la pintura, y del dibujo. Pero no podían ver la realidad con la claridad con la que veían los impresionistas gracias a la fotografía.

Velázquez, Goya, El Greco y muchos más, se acercaron al realismo. Eran hombres de su época, artistas de su época y con unos conceptos artísticos de su época. Con capacidades más que probadas, de dominio de la pintura y del dibujo. ¿Quién mejor para pintar algo invisible como es el aire que Velázquez?

O ¿Quién mejor para interpretar la realidad que el maestro Goya? Goya era un adelantado a su época, y en sus obras ya se intuía la pintura moderna, de los impresionistas e incluso de las vanguardias del siglo XX.

Pero es con el nacimiento de la fotografía, cuando los pintores interesados en el realismo, pueden hacer otro realismo: El realismo fotográfico o hiperrealismo.

Sin la fotografía, el hombre nunca hubiera podido llegar al hiperrealismo. La fotografía, que nació como herramienta para los pintores, dejó de ser útil, con el nacimiento del primer pintor hiperrealista, para empezar a ser utilizada como una técnica en si para hacer arte.

Es decir, con la fotografía, hemos encontrado otro medio para hacer arte, que el simple hacer fotos. Con la fotografía, sus químicas y su software, los ordenadores y demás, se puede hacer ya un arte independiente, que ya no tiene mucho que ver con la pintura.

De hecho, cuando alguien ve un cuadro hiperrealista, lo primero que dice es que no sabe si es una foto o una pintura.

La fotografía deja de imitar a la pintura, para que la pintura imite a la fotografía.

Una vez conseguido esto, podemos seguir imitando a la fotografía o podemos ser creativos con la pintura por un lado, y con la fotografía por el otro lado.

Se han convertido en dos medios independientes, dejando de tener sentido hacer fotografías normales, como hacer pinturas que parecen fotografías.

Esto se queda para los fotógrafos y pintores de estudio, para cubrir bodas y hacer retratos de familias y demás encargos.

El límite, hoy en día, está hasta donde uno quiera. Es innegable, que los artistas de nuestra época, estamos todos influenciados, los unos con los otros. Y del mismo modo que Velázquez y Goya, eran pintores de su época, los artistas de hoy, estamos ligados a las tendencias de nuestra época.

No es que todo esté inventado ya en arte. La cosa es que nada es nuevo bajo el Sol. Hay que seguir creando, pintando, haciendo fotos y encontrando nuevas formas de expresión.

4º Arte y redes sociales.

¿Deberíamos los artistas sacrificar parte del tiempo dedicado al taller, al ensayo, a la realización y los proyectos propiamente artísticos para dedicarlo a las redes sociales? ¿Por qué hacerlo?.

La participación en redes sociales de Internet implica tiempo, constancia y esfuerzo. El tiempo y esfuerzo necesarios para tejer una red. Pero de ninguna manera es tiempo perdido sino invertido en aprender, compartir, conocer y generar contactos. Si bien hay muchas herramientas gratuitas y fáciles de usar, estar en las redes sociales significa generar identidad, presencia y audiencia.

Así que el paso cero es crear cuentas, perfiles, páginas, pero el verdadero primer paso es comenzar a gestionar todo esto. Justamente, esa parte es la que suele superar a cualquiera que tenga cosas mejores que hacer (como hacer arte o trabajar con la cultura).

Existen agencias de “social media” que ofrecen sus servicios para gestionar toda la presencia online de artistas, pero esos servicios profesionales cuestan bastante dinero, cosa que a los artistas nos escasea.

Por lo tanto es mejor hacerlo uno mismo, teniendo en cuenta que disponemos de muchas herramientas, tales como:

1. Web o blog, o ambos, con información actualizada, interesante, confiable y valiosa sobre nuestra actividad, experiencia, trayectoria y también ideas, proyectos, temas de interés. En esto hay que ser constante y nunca poner excusas: si el contenido no está actualizado es probable que los visitantes no entren en contacto creyendo que los responsables de la web no van a responder por este medio.

2. Presencia en redes sociales generales y específicas: Twitter, Página de Facebook, Flickr, YouTube, LinkedIn, así como otras vinculadas a la actividad específica del artista (las hay de música, artes visuales, literatura, cine). Estos son medios para aumentar la cantidad de contactos, desarrollar vínculos e intercambiar información específica dentro del campo en el que se trabaja. Estos medios requieren también aprender ciertas reglas del juego de la participación y el intercambio: el respeto, la constancia, la generosidad al compartir. Quienes temen mostrar trabajos en proceso, recibir opiniones abiertamente o exponerse a “ser copiados” poco tienen que hacer en las redes sociales.

3. Actitud de escucha activa y participación oportuna. En todos los casos, la promoción debe estar concebida como información y mejor aún, como conversación con colegas y público. Esto incluye también la participación en otros sitios web, blogs y redes de referencia, pero no mediante mensajes publicitarios sino como forma de colaborar generando valor y reputación. También es recomendable buscar activamente la participación de los usuarios y la co-producción con ellos mediante actividades concretas como foros virtuales, webconferencias, juegos y otras posibilidades interactivas.

4. Es importante que los artistas pensemos en las redes sociales como espacios donde cada uno de nosotros va a consumir su “dieta cognitiva”. Nos alimentan de conocimientos e inspiración, pero no bajo el imperativo de estar constantemente actualizados sino para ensanchar los horizontes. No hay que tener miedo de compartir y darse a conocer. Verdaderamente la gente aprecia que se le propongan ideas nuevas, ya sean textos, links, música, vídeo, imágenes. En fin, es la forma en que siempre ha circulado la cultura, pero ahora los artistas pueden ser mucho más protagonistas puesto que el Siglo XXI nos va dando muchas herramientas para esto.